Artículo: ‘¿Magia simpática?’

Nos maravillamos al ver las obras del arte paleolítico, el arte rupestre de las cuevas. Nos sorprende su realismo, su magistral uso de diversas técnicas para lograr definir el volumen o incluso el movimiento.

Hablo de obras artísticas del Paleolítico Superior, en cuevas como Altamira o Chauvet. Dentro de estas obras del Paleolítico Superior nos llaman la atención especialmente las del último periodo, próximas al Mesolítico, las del estilo magdaleniense (como el conocido panel de los bisontes de Altamira), porque responden a un estilo muy realista y logrado desde nuestra visión actual.

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Panel de los bisontes (Altamira)

Belleza en las formas, técnica, magistral conocimiento de la anatomía animal… Pero, ¿por qué? ¿Por qué estas obras están expresadas así? ¿Por qué las hicieron? ¿Qué significan? ¿Qué quieren contarnos?

Una de las primeras teorías, de finales del siglo XIX, es la bautizada como “magia simpática”. En ella se considera que este arte representaba animales que los humanos prehistóricos deseaban encontrar, cazar y comer. Así pues se representaban a estos bisontes, ciervos o leones como símbolos mágicos, objetos de deseo, siendo por esta razón de un estilo pictórico tan realista, para que “se hiciesen realidad”.

Me sorprende que hoy por hoy haya tanta gente, incluso erudita, convencida de que esta teoría sigue funcionando entre especialistas de antropología e historia del arte. Es como una de esas conclusiones ‘científicas’ (con todo el peso que la palabra “ciencia” tiene hoy día, que a veces diría que la equiparamos a la antigua “religión” por su tono sagrado, inmutable, incuestionable, que nadie ha de atreverse a desdecir) que quedan ahí en la sabiduría popular como una verdad demostrada y absoluta.

Y ahí estaba yo escuchando esta mañana un podcast de la radio, en el programa La Rosa de los Vientos, a uno de los interlocutores hablar de “la magia simpática” como esa superverdad demostradísima.

En primer lugar: ¿cómo va a estar demostrada? Eso es imposible. Yo sé que esto suena descabellado, pero esta teoría, como otras muchas (que ya añado que hay otras muchas en cuanto a este tema, y dispares) sólo podrán demostrarse completamente el día que, con una máquina del tiempo, nos acerquemos a la cueva de Altamira hace unos 17.000 años y, si es que da la casualidad de que los historiadores y antropólogos han catalogado con una fecha buena semejante evento, puede que nos encontremos con esa persona (mujer u hombre, por cierto, que lo mismo ellas estaban muy afanadas en sus obras artísticas y ellos cosiendo trajecitos de pieles a los retoños, vaya usted a saber) y podamos preguntarle a la persona ejecutora de la obra, o grupo de personas:

—Oigan…, ¿por qué pintan ustedes esto? ¿Qué significa?

Y quién sabe qué responderían.

—Pues…, ¿y por qué demonios se le ocurre a usted venir aquí para preguntarnos algo tan evidente?

—Eeehhh…, porqueee… ¿Y qué es eso tan evidente?

—¡Pero bueno! ¿De dónde ha salido usted? ¿Es que no vive en el mundo?

 

En fin, dejándome de bromas. Esta teoría de la magia simpática fue reemplazada muy pronto por otras. Y así, Leroi-Gourhan, en los años cincuenta del siglo XX, nos planteó algo: ¿por qué esos leones, bisontes y caballos aparecen siempre al fosantacruz-cuevamanosndo de las cuevas? ¿Y por qué al inicio de éstas suelen haber solamente símbolos y manos (mediante la técnica de soplado)? Él elaboró una nueva teoría donde establecía que cada cueva, cada “templo”, organizaba la disposición de figuras según una idea de trasfondo que desconocíamos. Llegó a asociar cada tipo de animal representado con conceptos de masculinidad y feminidad.

 

Y otra teoría más reciente, la “chamánica“, nos habla de que estas pinturas representan diferentes estadios de un estado alterado de conciencia, siendo los símbolos el primero (entrada de la cueva) y conforme entramos los animales de aspecto realista corresponderían al estado más alterado de conciencia o último estadio.

Pero yo, humilde estudiante de Historia del Arte, sólo pretendo decir con todo esto, con ese viaje al pasado remoto y ese encuentro chocante con aquellas personas que realizaron estas obras, además de citando la existencia de otras teorías añadidas a la de la magia simpática, que muy poco sabemos sobre el porqué de las pinturas rupestres, sobre su significado, su necesidad creadora, su magia o no magia, su religión o no religión.

 

simbolos_cueva_lasmonedasSiempre que analizamos el arte lo hacemos desde el punto de vista de nuestra propia época. Parece fácil acertar o acercarnos al significado puro del arte renacentista, del barroco o del gótico, pero… ¿Cómo nos acercamos a un arte tan remoto en el tiempo? ¿Cómo escrudiñar su sentido, su lógica? ¿Acaso aquellas gentes tenían en su idioma una palabra llamada “arte”, o que designara lo que hoy entendemos por “arte”? ¿Y “magia”? ¿Diferenciaban entre magia y realidad, entre lo físico y lo mágico, entre una representación y el objeto físico auténtico representado? ¿O quizás todo estaba más mezclado, más permeable, más fluido? No, efectivamente no podemos trazar una única teoría universal, una especie de verdad inmutable.

 

Y, mientras, esas figuras siguen permaneciendo ahí, desafiando nuestras explicaciones, como si realmente estuviesen por encima de palabras, teorías, enigmas por descubrir, o verdades que demostrar.

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Cueva de Chauvet

 

Redacción: ‘Los caminos de mi tierra’

En Columbares serpentean los caminos arenosos, blanquecinos, rodeando cada pequeño cabezo que conforma el paisaje lunar.

Este solitario rincón es uno de los lugares más desconocidos de Murcia. Como sábanas amontonadas, unas encima de otras, dejándose caer abombadas, el paisaje se impone en un destacado silencio, sólo roto por el quejido del búho.

Las sendas blanqueadas giran ondulantes, ascendiendo y siendo a menudo interrumpidas por liebres saltarinas que amenizan la soledad.

Casi alcanzando la cúspide de las montañas una se para a observar el derredor: un mar blanco y aterciopelado por matorrales, que se extiende hacia el noreste hasta alcanzar la vista las montañas de Orihuela; un atisbo del valle de Murcia en la lejanía, hacia el norte, que casualmente se deja ver por una suerte de montañas entrecruzadas que decrecen; más hacia la izquierda la alta coronación de la Cresta del Gallo (de espaldas a la ciudad y no siendo tanto aquí una “cresta de gallo”), de montaña marrón y untada de verdes pinos en claro contraste con el paisaje lunar; y si una prosigue el camino hacia el suroeste siente el olor marítimo, abriéndose los interminables valles del Campo de Cartagena, recorriendo sendas ahora de verde campo, con olivos alineando el camino hacia el mar.

 

(Ejercicio Máster ‘Poder y Seducción de la Expresión Escrita’)

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Reseña libro: ‘Sideral, Estrella Fugada’

Reseña publicada en SONORADJ.ES

El libro de Héctor Castells, “SIDERAL, Estrella Fugada”, es la biografía de Aleix Vergés (Dj Sideral), un tributo a su arte, a su obra, a su persona. En esta novela, documentada a partir de las propias vivencias del autor (amigo íntimo de Aleix) y de las entrevistas de familiares y amigos del propio dj, no sólo asistimos a la vida de esta compleja personalidad imaginativa, atractiva e influyente, sino al marco cultural de la Barcelona de los años 90, en su explosión artística y musical, en su vanguardia creativa que aún hoy sigue iluminándonos y marcando con fuerza los pasos de la música electrónica europea.

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Dj Sideral es una de las figuras clave de la música electrónica de la Península. Leer “SIDERAL” es conocer a esta figura, conocer su tremenda importancia, pero también es desvelar el lugar, momento y alcance futuro de su generación, la generación educada en la Democracia.

Los que vivimos los años 90 siendo jóvenes, muy jóvenes o incluso adolescentes, bien en aquel ámbito de las tendencias del rock y el pop alternativos, bien en el de la electrónica que eclosionaba, bien en una simbiosis de ambos, podemos recrearnos e identificarnos muy fácilmente con este libro, reencontrándonos con las sensaciones de una época, con los sueños, deseos, miedos, dudas, posesiones o faltas de los educados en Democracia; pudiendo trazar con esta historia el hilo cultural y sociológico en el que aún hoy nos hallamos.

La música electrónica de la Península seguramente no sería hoy la misma sin Dj Sideral. Él nos ofreció una perfecta unión de tendencias, de hecho él representaba el espíritu de mezcla y simbiosis en sí mismo, y así nos lo muestra Castells es su biografía, algo que marcaba su fuerte personalidad, siendo capaz de absorber todo tipo de estilos, desde el techno más puro, pasando por el industrial, el rock, el pop, el funky, el punk e incluso el flamenco. Esta historia nos adentra en la noche barcelonesa de finales de los 90, con un Nitsa Club recién estrenado por Aleix, envuelto en un mundo cultural naciente, bañado en éxtasis, alcohol y noche, donde también conocemos al creador del festival Primavera Sound, nos topamos con César de Melero o Dj Amable y asistimos a un todavía pequeño y naciente festival llamado Sónar.

Aleix fue un polifacético artista (cantante y guitarrista del grupo Peanut Pie, compositor, dj e ilustrador) que inauguró la destacada sala Nitsa de Barcelona con un sonido que la marcó para siempre y que representa una simbiosis musical “sideral” que sin duda ha dejado una gran huella en la ciudad condal y fuera de ésta. Pero este libro es también su historia personal, su mundo imaginativo, su visión que, desde un principio, parecía marcar el futuro, con sus miedos, su generación, los miedos y deseos de su generación, la identidad de una época que hoy hace nuestro presente musical tal y como es.

Título: “SIDERAL. Estrella Fugada”
Autor: Héctor Castells
568 págs.
15 x 22 cms.
Rústica con solapas
Fecha de salida: 20 de noviembre de 2013
ISBN: 978-84-940938-8-3
PVP: 21 euros

www.editorialcontra.com

Diseño: Imágenes redes sociales ‘Sonora Dj’

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Imágenes para uso de redes sociales de la revista digital SONORA DJ, portal web en el que trabajo sobre música electrónica, web enfocada en noticias sobre tecnología musical, con un amplio público especialmente profesional (dj’s, productores, músicos).

Le he dado una vuelta de tuerca a su imagen. Mantengo el mismo logo, aunque le he dado un estilo más minimalista y sencillo. Lo que quiero es reflejar un estilo como de algo que se está gestando, esbozando…, como el mismo objeto de arte produciéndose, y claro, en este caso, un objeto de arte musical.

Los diseños se basan en elementos orgánicos relacionados con las sensaciones que produce la música electrónica, creando un tipo de ilustraciones geométricas (aluden a la música, a formas regulares y matemáticas) que se funden en atmósferas propias de los sonidos de sintetizadores. No sé vosotros, pero a mí es la sensación que la música electrónica experimental me causa a grandes rasgos: esa dualidad entre matemática del sonido, reticularidad (especialmente en el ritmo -aunque a menudo también se rompe-) y deseo de experimentación sensorial, ¡de expansión de los sentidos casi mística!

Y claro, al final ese todo experimental creativo tiene que expresarse en formas que se mueven, que bailan, que tratan de volar, y en diversos fondos de color, según estados de ánimo, o según lo marque la propia longitud de onda.

sonoradj.es

Artículo: ‘Analizando el diseño gráfico en discos de electrónica’

¿Podemos establecer una serie de parámetros que se repiten en el diseño de discos de música electrónica? ¿Existe una clave gráfica para configurar el estilo musical en un disco de música?

Hoy me propongo a analizar algunas portadas de discos de música electrónica, aunque mi intención es analizar en posteriores entradas el diseño gráfico en otros estilos musicales.

Hay algo que caracteriza el diseño gráfico de los discos de música electrónica: la geometrización de las formas y la abstracción. Y esta abstracción a menudo va de la mano del expresionismo abstracto (el diseño gráfico de uno u otro modo siempre se inspira en movimientos artísticos de la pintura, especialmente en las vanguardias de los años 20 – 30 del siglo XX).

Sí, expresionismo abstracto, piénsese en Kandinsky, en Paul Klee.

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Arbol: ”You Travelled My Heart Inside Out’

Y otras veces hay incluso surrealismo.

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Vitalic: ‘Ok Cowboy’

¿Y fauvismo?

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The Chemical Brothers: single ‘Out Of Control’

La portada del single ‘Out Of Control’ de The Chemical Brothers recuerda mucho al cuadro ‘La Danza’ de Henri Mattise, el pintor francés fauvista:

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The Chemical Brothers: disco ‘Surrender’

Me atrevería a decir que, en general (porque no todo es siempre una norma fija en esta vida), el diseño gráfico en la música electrónica se aparta de la figuración, es decir, del protagonismo de figuras humanas, frente al diseño de discos pop, rock, que suele dar un mayor protagonismo a los músicos e intérpretes. Y me refiero no a cualquier representación humana (como hemos visto en la portada del single ‘Out of Control’ de Chemical Brothers, o en la portada del disco ‘Surrender’), sino a la representación de una personalidad o persona en concreto.

Mientras que el pop, rock, recordemos los años 60, 70, 80…, daba protagonismo en las portadas de sus discos (al menos en muchas ocasiones) al músico, ya que estos estilos musicales tienden a menudo a crear en sus músicos a figuras mito, el mundo de la electrónica llevado al club no nacía con un énfasis por el músico, compositor, productor o dj, sino que el protagonismo lo tenía el baile, la propia música y, por supuesto, el público bailante. Así pues había que expresar la sensación que transmitía esa música, y no tanto a la persona que la producía.

Y ya centrándome en el aspecto gráfico del diseño de los discos de música electrónica, como decía antes hay un apego por las formas abstractas.

Carl Craig - The Album Formerly

Carl Craig: ‘The Album Formerly Known As…’

 

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John Talabot: ‘ƒin’ (2012) – Diseño: Arnau Pi, fotografía: Adrià Cañameras.

 

Booka Shade - The Sun & The Neon Light

(Fijaos, aquí resulta que se unen formas abstractas con la representación de los músicos que conforman Booka Shade).

 

Expresionismo abstracto (y del más puro y estricto):

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Susumo: ‘Yokota Grinning Cat’

 

Y otras veces hay abstracción pero con expresiones más relacionadas con formas naturales. Un ejemplo genial, y que a mí especialmente me fascina (tanto por el diseñador americano David Carson, que admiro mucho, tanto por el grupo musical de Trent Reznor ‘Nine Inch Nails’, del que me encanta su música) es el diseño del disco ‘The Fragile’ y del dvd de conciertos ‘And All That Could Have Been’.

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Portada cd recopilación de directos ‘And All That Could Have Been’ (2002)

 

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Contraportada disco ‘The Fragile’ (1999)

 

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Portada dvd conciertos en vídeo ‘And All That Could Have Been’ (2002)

 

Otro ejemplo de abstracción con elementos naturales, de imágenes más agresivas, propias del break beat y del synth punk de The Prodigy:

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The Prodigy: ‘The Fat of the Land’

Diseño: Logotipo ‘Clandestine’

 

 

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‘Clandestine’ es un nuevo concepto de fiesta para eventos de música electrónica. Se centra en música tech-house y bajo su nombre trabajan diversos dj’s.

Me encargaron la creación de imagen corporativa, además de diseño de cartel. El logotipo lo conformo a partir de una letra muy cuadrada y geométrica, característica de un estilo electrónico, imbricada junto a una figuración de las líneas gráficas del sonido.

Este es el cartel:

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Maquetación revista de ocio

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Revista de ocio y cultura, con información sobre música electrónica, rock, pop, flamenco, festivales, etc.

En cuanto a las maquetas de la revista se idearon dos tipos de maquetas: una más liviana y otra más enfocada a la inserción de mucho contenido para adaptarse a una impresión de poca cantidad de páginas.

Las secciones (música, cine, teatro y danza) se distinguen por un color característico en bandas de color cortadas a sangre.

 

Diseño: Disco ‘Ermitañas’

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Proyecto final de carrera: diseño de discos para un sello de música electrónica (Electra Discos).
El proyecto consistía en el diseño y maquetación de diversos discos musicales. Estos discos pertenecen a un sello de música electrónica.

 

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Libreto exterior

 

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Libreto interior

 

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Inlay exterior o contraportada

 

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Inlay interior y galleta

Diseño: Carteles Alejandro Valverde

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Cartel de Alejandro Valverde como ganador de la Vuelta a España 2009. El cartel amarillo es en A3, el verde en A4. Traté de crear un cartel muy colorido, alegre, recalcando ese gran triunfo. El amarillo es el color del maillot dorado de aquel año de la Vuelta a España, el verde es el color característico de Alejandro con el que siempre identifiqué en el estilo de su página web.

 

 

Diseño: Marca ‘Coreplas’

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La empresa Coreplas es uno de esos proyectos innovadores del siglo XXI. Pretende irrumpir en el mercado con la propuesta de crear el servicio de reutilización y reciclaje de cajas de plástico. Para este proyecto era necesario mostrar un estilo “verde” además de un aspecto limpio y profesional.

El logosímbolo de la marca se basa en unas cajas bien apiladas. Los tonos de la marca verde oscuro y verde claro conforman la base del diseño de la página web.

 

Diseño: Imagen ‘Fiestas Fin del Mundo’

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Diseño de imagen para artículo en la revista digital Sonora Dj, inspirado en la temática maya y en ese supuesto fin del mundo que a algunos asustó y otros celebraron en discotecas y salas de fiestas.

Artículo, que por cierto también escribí yo: http://sonoradj.es/dj-live/fiestas-fin-del-mundo-2012

Diseño: Anuncios prensa ‘Polaris Ciudad’

Serie de anuncios para prensa de Polaris Ciudad, anunciando diferentes promociones.

Diseños en varios formatos de periódico: media página, faldón, portada, etc.

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Media página, ‘Polaris World La Paloma’ (publicado en el periódico La Verdad de Murcia, año 2008)

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Faldón, ‘Polaris Atalayas Business Center’

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Anuncio de portada, ‘Atalayas Business Center’

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Faldón, ‘Atalayas Business Center’, para anuncio en blanco y negro

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Media página, promoción ‘San Pedro Centro’

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Media página, promociones Polaris Ciudad